LA POSMODERNIDAD:
“Una sociedad desarrollada es aquélla en la que cada cuál deba juzgar por sí mismo [… ] [a falta ] de grandes voces, que recordaban lo que era preciso hacer […] estamos en una sociedad sin padre. Se comienza a ver lo que esto significa concretamente. Cada uno debe ser el padre de sí mismo, construir la autoridad”.
Lyotard
PRINCIPIO DE ALTERIDAD EN LA POSMODERNIDAD
En la posmodernidad se recurre constantemente a la expresión, a la divulgación, a la necesidad de poner en evidencia lo que permanece oculto. Para ello empezar a exorzisarce hace parte de la urgencia de delatar, de abrir los ojos, de transparentar los espacios.
Entonces la “Posmodernidad” es un desenmascaramiento como lo afirma Josep Picó refiriéndose a Wellmer, en otras palabras el arte ayuda a que a través de él se desenmascare la “realidad”, burlándose de ella, criticándola e imaginándola. Pero muchos artistas, en esa urgencia por conocerse, por dar a conocer, expresan por medio de líneas, formas y colores sus sentimientos mas profundos.
En la Edad media, los artistas obedecían a un pedido ordenado por reyes, en la modernidad contemplaban el entorno y a partir de ella recreaban la realidad, y en la posmodernidad se habla de que si bien se sigue le retomando lo anterior, el artista en la posmodernidad se dedica su obra, es decir, su obra es testigo de su vida, a través de ella cuenta lo que siente y lo que no.
De manera que la búsqueda ya no parte de lo que lo rodea, de lo que ve, del paisaje, de las personas, de los edificios; si no que parte de él, de lo que lo afecta, de la manera en como él ve el mundo. Podria decirse entonces, que el arte en la posmodernidad entra en el reino de lo subjetivo, todo se acepta, la reglas se rompen.
Si abordamos el siglo XX desde el cuerpo, por ser testigo directo de la cultura, tenemos que si antes, el cuerpo era considerado como templo sagrado, hoy el cuerpo es un objeto. Objeto de la obra, de la ciencia, del sujeto. Se usa para contar algo, se transgrede, se interviene y por medio de este se evidencian muchos aspectos culturales, sociales, políticos, sexuales, retomados de cada cultura, en este caso una cultura que intenta ser posmoderna.
De manera que desde la concepción que se tiene del propio cuerpo aparecen modos diferentes de expresarse, surge la necesidad de excederse, de hacer una contra propuesta, una contra cultura y es así que empiezan a surgir grupos de resistencias, que parten de las minorías para hablar, para realizar propuestas, aparecen movimientos feministas, ambientalistas. Todos estos, con las ganas de autoexpresarse, pero también de realizar propuestas, de criticar lo que los excluye. De gritar sus preferencias politicas, sexuales, culturales, en otras, palabras estas intentan desenfrenadamente encontrar la libertad que no exclabice sus sentimentos.
Ejemplo de artistas como:
Ana Mendietta: Que utiliza su propio cuerpo para expresar sucesos que a cerca del sentir de la mujer, de su identidad, del dolor, a partir de la sangre con representaciones performaticas, a manera de divulgación de las cosas que no son vistas de manera ligera, pero que suceden con frecuencia, (aborto, muerte, dolor, desolación) estos son temas constantes en su trabajo.
Luis Caballero: Sus fuertes trazos, las formas masculinas de sus composiciones, el hecho de que el principal tema es el homosexualismo, y manera en como esto aun en esta época es juzgado con mano dura, hizo que Caballero expresara a través de las mutilaciones de cabezas, piernas, y brazos la identidad de aquellas personas que por el hecho de tener preferencias sexuales diferentes sean condenados.
Si bien caballero se refiere a esto como una problema o la necesidad que tienen muchas personas de ser aceptados, el también en su condición homosexual expresa la necesidad inmensa de ser respetada su preferencia, pide libertad, su libertad y por tanto las de todos que en condiciones similares han sido reprimidos.
SIGNIFICADO DEL FRAGMENTO COMO TOTALIDAD
No es necesario, en la posmodernidad como en la modernidad, la figuración total de los objetos, el canon perfecto de la figura humana, lo simétrico de las composiciones, la presentación en cuadrado de la obra.
Es en la “posmodernidad” donde la expresión asume un papel protagonistico, se expresa desde la combinación y usos de las diferentes técnicas, hasta la composición asimétrica de las obras, desde las diferentes presentaciones de formatos de los trabajos, en otras palabras, en al posmodernidad se exceden todas las reglas. Y se convierte la obras de arte en la expresión o autoexpresión de sentimientos, sucesos, de diferentes circunstancias, empezando por la forma en como es presentado el trabajo, ya el cuadrado, el la forna plana de realizar la pintura, se convierte esta además en espacios escultóricos, porque la pintura no es reducida al plano de el lienzo, sino que es plasmada en paredes, ojetos, performance, happines, y otras expresiones artísticas, esto por colocar algunos ejemplos.
Si anteriormente era importante cumplir la medida, hoy esa medida se hace importante en la forma en como es excedida, rota. No es necesario entonces hacer a cien personas llorando para decir que lo que se quiere representar es un sentimiento de tristeza, hoy eso no es necesario. Basta con un trazado, una figura, un color, un fragmento que simbolice lo que se quiere decir.
Para colocar un ejemplo puntual a cerca del fragmento, tenemos el collage. Esta forma de expresión recopila además de imágenes, materiales, técnicas, soportes, las cuales de forma total en la composición pueden producir un mensaje, realizar la denuncia de algún acontecimiento, sin perder su orden estético.
Citaré, por ejemplo, a BEATRIZ GONZALES que a partir de recortes de papel periódico realiza composiciones, a fin de divulgar desigualdades, de rescatar individuos olvidados por la sociedad, y realiza a partir del collage una fuerte critica a los medios masivos de comunicación. De manera que a partir del mismo medio, critica el medio. De forma que su obra desde su estructura tiene una coherencia total.
EL SIMULACRO Y EL EFECTO PANTALLA:
El arte entendido como una imitación de lo real, idea representativa del objeto. Ha sido siempre una ficción de la realidad recreada por el artista. Recordemos por ejemplo el renacimiento y su perspectiva, simulando espacios tridimensionales, el dibujo canónico realizado de manera muy parecida a las formas reales de los objetos, personas, y las diferentes situaciones trazadas sobre el papel.
Es desde siempre el arte un simulacro, si lo vemos como la representación del objeto, aunque el arte, aun mas que una mera representación de formas, trasciende su sentido a lo estético, su espiritualidd. Si bien en una primera etapa, y refiriéndonos a la técnica, es la ficción de lo real, es composición, color, luz y otros elementos físicos que hacen que la obra tenga una armonía, existe en el arte un verdadero sentido invariable, el primero es que es este testigo de la historia, comunica por tanto diferentes aspectos, situaciones, acontecimientos, sentimientos, la segunda es que es transversal a todo conocimiento por el hecho de que no se limita a la técnica, si no que este tiene que ver, con la parte sensible del ser humano, por lo tanto, atraviesa toda área del conocimiento que tenga relación con el sujeto.
Sin embargo, y quizás hoy, bajo el manto posmoderno que cubre la cultura, podría afirmarse, aunque con muchas preguntas alrededor que el arte se a ha ido convirtiendo en cierta medida en un efecto pantalla, es decir, la ubicación de la obra esta dada en espacios transparentes, exhibicionistas.
Desvirtualizandose así el verdadero sentido sensible, social del arte. La forma consumista de presentar el arte frente al espectador, es un mercadeo, donde lo importante no es el sentido de la obra, sino, la forma, lo superficial, lo que se ve a simple vista. De esta manera la obra de arte empieza a convertirse en ese efecto pantalla, es decir, no muestra, no comunica, pero si vende y agrada. Es un pantallazo crudo de los diferentes temas que aborda, podría hablarse entonces de la moda en el arte, de lo que vende o no, entonces a partir de esa categoría, el arte es bueno o malo.
AMBIGÜEDAD Y POLISEMIA
El deleite de la obra de arte, el gusto de apreciarla, de percibirla, de sentirla, es precisamente la libertad que nos brinda de entenderla.
Si bien en la modernidad la obra de arte era solo para intelectuales, artistas, personas especializadas y aptas para entender su significado. Porque utilizaban elementos, simbolos, colores, y manejaban temas que no eran de la particularidad del pueblo, sino de plebeyos.
En la posmodernidad, esas grandes obras de grandes maestro, para grandes personas son excedidas, en la pos-modernidad el arte es del pueblo y para él.
